James Cabot  Lana Čmajčanin  Saskia Noor van Imhoff  Paul Etienne Lincoln

Das Bett ist ein Gegenort der Arbeit. Inaktiv. Wir ruhen, unser Körper arbeitet ohne uns. Wärme, Verdauung, Erholung. Wir träumen. Das Unbewusste arbeitet mit uns. Wir machen Liebe. Das Weitere geschieht von allein. Wir brauchen das Bett, es setzt uns außer Kraft. Das Bett fordert keine Entscheidung zwischen aktiv und passiv, zwischen Ja und Nein, es nötigt zu keinem Sinn. Es schafft andere Zustände. Wir schlafen, wir sterben im Bett. Das Bett ist mehr als ein Gegenort. Indem es Arbeit und Nichtstun in sich vereint, suspendiert es den täglichen Konflikt um Bedeutung und die unablässige Arbeit am Sinn – das Bett ist wie ein Neutrum. Es lässt die Zeit stillstehen. Ein leidenschaftlicher Ort, ein Zustand der Inbrunst, eine Intensität der Erschöpfung. In tiefem Vertrauen. Im traumlosen Schlaf. Zu zweit, allein. Auf den Schlaf folgt ein Erwachen. „Ich schlafe immer, ich brauche Zeit, um aufzuwachen, um zu begreifen“, sagte der sterbende André Gide. Sein Erwachen umschreibt ein spätes Verstehen in der Zeit. Langsam begreifen. Wortlos. Voller Bilder. Die Ausstellung Das kleine i könnte auch Das kleine n wie Neutrum heißen oder Das kleine a wie das Objekt klein a. Das kleine i meint den Zustand, außer Kraft gesetzt zu sein, nutzlos, inaktiv und zugleich empfänglich für andere Signale der Kommunikation. Eher wie ein Rauschen im unsteten Begehren einer „potentia passiva“. Ein Zustand der Schwebe, ähnlich der Kunst, in einem Zartgefühl, das zu nichts dient (Barthes).

Die hier versammelten Werke stammen von zwei Generationen von Künstlerinnen und Künstlern sowie aus verschiedenen Zeiten. Keines von ihnen bezieht sich auf das Bett als Motiv. In jedem von ihnen lässt sich dieser besondere Zustand auffinden, außer Kraft gesetzt und zugleich empfindsam zu sein. Sei es durch Abwesenheit wie bei dem delikaten und in Auflösung begriffenen Vakuum bei Paul Etienne Lincoln, als Präsenz einer einschnürenden Leseerfahrung bei Lana Čmajčanin, im faszinierenden Formmaterial der kollektiven Zeitgestalten von James Cabot oder in jenem eleganten Schwebezustand des Sehens und Verstehens in den Installationen von Saskia Noor van Imhoff. In jeder Arbeit verkörpert sich die unmögliche Möglichkeit der Kunst. Und darum geht es ja schließlich.

Paul Etienne Lincoln widmete der Madame de Pompadour eine komplizierte Apparatur, die ihn über neun Jahre in Anspruch nahm (In Tribute to Madame de Pompadour and the Court of Louis XV, 1982-1991). Das funktionsfähige Gebilde symbolisiert den absolutistischen Hofstaat unter Kontrolle des Königs. In seiner Mitte erzeugt es ein Vakuum, stellvertretend für Madame de Pompadour, die berühmteste aller Mätressen. Zwei Lebewesen existieren darin – Bienen produzieren Honigsirup und Schnecken sorgen für den Abfluss in eine komplexe Kalziumkammer, die Wasser in Gas verwandelt, um das Vakuum zu erzeugen. Der gesamte Court war für seinen langsamen und absehbaren Zusammenbruch gebaut worden. Die Performance wurde zweimal aufgeführt, 1984 am Royal College of Art und 1985 in Cambridge bei Coracle Press. Zu sehen sind Zeichnungen, Dokumente und ausgegliederte Editionen des ursprünglichen Werks.

Lana Čmajčanin stickte mit 166987 Einstichen (166987 Pricks, 2013) und silbrig schimmerndem Faden Aussagesätze in ein Tischtuch, die sich nur langsam entziffern lassen. Das englische „prick“ meint Stich im durchaus vulgären Doppelsinn. Čmajčanins Text lässt eine Schleife scheinbar hemmungsloser sexueller Übergriffe und Wünsche entstehen, die Lust erwecken und Situationen öffentlicher Rede so schildern, dass die Scham wie ein Kloß im Halse stecken bleibt. Auf doppelbödige Weise reflektieren Text, Präsentation und Materialien die immer wiederkehrenden sexuellen Hierarchien, Zumutungen und Rollenzuweisungen an Frauen im Kunstsystem. Čmajčanin interpretiert das Verhältnis von Werk, Produzentin und Betrachter als eine öffentliche Schaustellung. Ihre vielen Einstiche formen einen Gegen-Ort zum Kunstbetrieb auf ebenso imaginative wie materielle Weise und durchleuchten nonchalant die ihm innewohnenden Regeln.

Fünf in sich ruhende Objekte hat James Cabot mit Schablonen in feuchten Ton geformt (Clay Pots, 1990). Ihr Profil entspricht den Bevölkerungsstatistiken Deutschlands zwischen 1910 und 2033, unterschieden nach männlichen und weiblichen Bevölkerungsanteilen. Lateinisch Statisticum heißt „den Staat betreffend“. Die Wölbungen der Tonskulpturen formen also den statistischen Kollektivkörper der sexuellen Reproduktion ab. Ihre Reihung im Abstand von ungefähr einer Generation (1910 – 1939 – 1959 – 1986 – und dann mit größerem Abstand die Prognose für 2033) lässt die Zeit als eine sinnlich erfahrbare Gestalt wahrnehmen. Die Formen finden im Objekt weich gleitende Übergänge und wachsen bizarr von einer nahezu gleichmäßigen Pyramide zu Beginn des 20. Jahrhunderts, hier in die Form eines dreidimensionalen Kegels übertragen, durch historische Katastrophen, Einschnürungen und Deformationen in eine knorrig ausstehende Zukunft.

Die Installationen von Saskia Noor van Imhoff bestehen aus Rückverweisen, Materialspuren, Farben und Bildern von ausgesuchter Eleganz, die persönliche Dinge ebenso wie Gegenstände aus Archiven von anderen und eigenen Kunstwerke enthalten. Die Werke werden mit einer fortlaufenden Zählung betitelt. Fragen an die Wirklichkeit der Dinge, an ihren Inhalt, werden so in künstlerische Form und Systematik übertragen und aus einer einfachen Referenz entlassen. Es ist so wie es ist. Fein gesponnen entsteht mit der Zeit ein sich langsam erweiterndes, in sich selbst zurücklaufendes Netzwerk. Imhoff arbeitet für ihre Präsentationen auch mit dem Raum, den sie mal aktiviert oder unzugänglich still legen kann. Ihre offene Verweisstruktur im Werk interessiert sich mehr für Fragen als Antworten. Wenn alles gelingt, steht im Keller eine Maschine, die von Zeit zu Zeit kühlenden Nebel produziert.

Die hier versammelten Werke stammen aus zwei verschiedenen Generationen von Künstlerinnen und Künstlern sowie aus verschiedenen Zeiten. Jeder Künstler folgt einem eigenen Begriff von Skulptur oder Installation. Keiner von ihnen bezieht sich auf das Bett als ein Motiv. In allen Werken lässt sich der besondere Zustand der Kunst, außer Kraft gesetzt und zugleich empfindsam zu sein, auffinden. Sei es durch Abwesenheit wie mit diesem delikaten und in der Auflösung begriffenen Vakuum bei Paul Etienne Lincoln, das Madame de Pompadour, die berühmteste aller Maitressen, symbolisiert. Sie war eine äußerst ehrgeizige Frau des 18. Jahrhunderts, die mit ihrer Macht am Hofe Ludwigs XV unter anderem für den Einfluss auf Strategien der Kriegsführung und für kulturelle Förderung eingesetzt hat. Lana Čmajčanin verschiebt die Perspektive der Machtverhältnisse von einer imperialen Maitresse auf die Rolle der Künstlerin als einer öffentlichen Frau und sexualisiertes Objekt. Ihre Bühne ist weniger das Bett als das Betriebssystem Kunst. Das faszinierende Formmaterial der kollektiven Zeitgestalten von James Cabot zeigt, für diesen Anlass hier grob vereinfacht gesagt, die Ergebnisse der Arbeit einer Bevölkerung im Bett, getrennt nach Weiblich (linke Hälfte des Tonobjekts) und Männlich (rechte Hälfte des Tonobjekts). Der elegante Schwebezustand des Sehens und Verstehens in den Installationen von Saskia Noor van Imhoff verweist auf das Bett nur mehr als Andeutung. Ihre Maschine im Keller arbeitet wie ein Körper wie das Unbewusste unablässig und beeinflusst die Wahrnehmung des Raums als einer Gesamtinstallation, die auf das Archiv, die Erinnerung und der Kunst als Ausstellung anspielt. Der gesamte Galerieraum hat sich in einen dem Bett ähnlichen Zustand der Inaktivität verwandelt, kurzzeitig unterbrochen von Aktivitäten. In jeder dieser Arbeiten verkörpert sich die unmögliche Möglichkeit der Kunst. Und darum geht es schließlich.

Dirck Möllmann (* 1963) ist Kurator am Institut für Kunst im öffentlichen Raum Steiermark, Universalmuseum Joanneum, Graz.